martes, 15 de noviembre de 2011

ASIA EXTREMA

Y no me refiero a la hija de Darío Argento. Hablo de Asia, ese territorio misterioso que responde a fuerzas muy distintas a las que dominan la cotidianidad occidental. Estoy ahora mismo muy oriente: acabo de comprarme unas pelis muy chulas que resumen ese carácter extremo y desorbitado que tanto me encandila de la cinematografía india, china, tailandesa o japonesa:
Uno de los dvds es una entrega de ASIAN TRASH CINEMA, una iniciativa imprescindible para los zinéfagos compuesta por programas dobles de lo mejor de lo peor del cine asiático de género, y además llenas (exageradamente, hasta el vómito) de todo tipo de extras y sorpresas, y a muy buen precio. En este caso se trata de COCODRILO y CENTIPEDE HORROR.


COCODRILO es una mezcla de Gozilla y Tiburón, repleta de maquetas (incluyendo alguna victima humana sustituida por una especie de muñeco de Belén suspendido en el aire por una más que visible cuerda) y escenas de tailandeses callendo al agua y huyendo, que yo creo que son imágenes reales de alguna catástrofe natural. El director de la peli es SOMPOTE SANDS, qué nombre tan extraordinario: Sompote fue el fundador de la productora tailandesa CHAIYO PRODUCTIONS, Chaiyo me recuerda a Chaiyo Mohedano y en tailandés quiere decir "Bravo" o "Hurra".

CENTIPEDE HORROR va de magia negra que provoca ataques de cienpiés que pudren y destruyen tu cuerpo. Aún no la he visto, pero pinta bien.



Mi otra compra es una joyita baratísima también que he descubierto: le segunda peli de Nagisha Oshima, HISTORIAS CRUELES DE JUVENTUD. La sinopsis declama la grandeza de este film:
"Makoto estudia en el instituto y vive el despertar sexual como una mezcla de juego y auténtico deseo, al igual que el resto de sus amigas. Uno de sus pasatiempos es dejarse acompañar a casa por hombres maduros a los que excitan antes de salir corriendo. El juego de Makoto llega demasiado lejos y uno de sus acompañantes trata de abusar de ella. El atractivo univerKyoshi evita la violación e inicia una ambigua relación de ternura y rechazo con Makoto. La relación entre ambos se estrecha: van a vivir juntos y prosiguen con la peligrosa actividad de extorsionar a los hombres maduros seducidos por Makoto quien se somete a un aborto a manos de un médico alcohólico".



Para mi el cine es precisamente esto: el juego de representar lo prohibido, los deseos, sabiendo que todo es mentira pero que habla de cosas reales que nos afectan. Sexo, placer, muerte, destrucción, horror, aberraciones, maldad, caos, violencia, absurdo, descaro, amor, miedo, liberación y éxtasis. Todo eso lo quiero y lo disfruto, porque hay mucho por explorar más allá del cine que se estrena hoy en día. Películas que se hacen hoy pero no se estrenan, o películas que se hicieron hace cincuenta años y jamás se estrenaron, da igual, ahi estan, y la red y las ediciones baratas en dvd nos permiten acceder a todo este botín extremo.

Hay cosas que sí pueden verse en salas, afortunadamente. Este viernes arranca la SEMANA DE CINE EXPERIMENTAL DE MADRID, con Taiwan como país invitado, incluyendo una pequeña retrospectiva de mi amadísimo TSAI MING LIAN. ¡Qué alegría!


martes, 8 de noviembre de 2011

MELANCHOLIA

El cine puro no necesita palabras. No tiene, por lo tanto, mucho sentido verbalizar la profunda emoción que me ha causado Melancholia.
Lars, cariño, estás a años luz del resto.


domingo, 6 de noviembre de 2011

TIMIDOS ANÓNIMOS (LES EMOTYFS ANONYMES)


No tenía ni idea de la filmografía de Jean-Pierre Améris, pero esta película me ha dejado con mucha curiosidad. "Tímidos anónimos" me parece el film ideal para ver en el cine en esta época de frío progresivo y lluvias. Es una obra tierna, bien narrada y bien interpretada, con una mezcla muy bien conseguida en la que la comedia no se mete con calzador y el romanticismo no resulta en ningún momento empalagoso. Como el buen chocolate, cuyo secreto es ese punto justo de amargura.



No soporto las películas tipo "la vida es maravillosa y llena de magia", a lo "Amelie" (cuyo mero planteamiento, atisbado desde trailers y fragmentos pillados en televisión, hicieron que a día de hoy siga sin verla) me dan arcadas. Sin embargo, pelis como esta me dejan con muy buen sabor de boca, después de haberme reido a gusto, haberme emocionado e identificado con las vidas de esos dos tímidos (o emotivos mejor dicho) apasionados por el chocolate y temerosos (desde la sabiduría espontanea de la falta de experiencia y el exceso de esperanza) de los efectos del amor, que no son tan sutiles como el paladeo escalonado de los sabores de un chocolate artesanal, pero son más duraderos.

Os recomiendo que vayais a verla antes de que la quiten de las salas para dejar paso a otra de las decenas de mierdas que copan nuestras (aunque poco "nuestras" son, si el nosotros es Europa) pantallas.

P.D: y de postre, un poquito de confianza en un@ mism@.


jueves, 13 de octubre de 2011

YOUNG AMERICAN FILMMAKERS#4: SORRY, THANKS



La segunda peli del último pack YAF de Cinebinario me ha molado también, y bastante. Aunque por razones distintas que en el caso de "The pleasure of being robbed". "The pleasure..." es un film muy particular, una cosita única, y "SORRY, THANKS" cuadra más con los parámetros habituales del cine indie americano y el mumblecore.

El debut en el largometraje de la productora Dia Sokol es unos de esos relatos que, como "Chunking Express" de Wong-Kar Wai, comienza con un protagonista y acaba con otro. Los dos ejes del relato son una muchacha que ha roto con su novio (que por cierto, está muy bueno! ), y está en ese momento de animarse a tener citas de nuevo, conocer gente, disfrutar de su tiempo... aunque la pobre acaba un poco aburrida y solitaria. El otro eje del relato es uno de los mozos que pasa por las manos (y las piernas) de la muchacha: un chico muy en el tono del veinteañero indie cinematográfico, ya sabes, un poquito patoso, un poquito obsesivo, con referencias pop, flequillo largo, sensible, con su coraza de sarcasmo y la dosis justa de desorientación/perlejidad ante la realidad y sus propios deseos. Este personaje, que es el que más me gusta de la película, lo interpreta Wiley Wiggings, que ha actuado en otras pelis y tiene un papelito muy gracioso en GOLIATH (que ya comenté en otro post).

Esta es una de esas películas con la que te identificas y recuerdas cosas que han vivido o te han contado. Lo pasé fatal recordando esos incomodísimos momentos en los que estas con alguien al que acabas de conocer y sabes que no es para nada tu tipo, y que él sabe que tú tampoco eres su tipo, y estais los dos dejando pasar el tiempo de la forma menos bochornosa posible, atados a las circunstancias y las buenas maneras, flotando entre la decepción y el pudor... También me enternecieron otros momentos entre amigos o entre parejas, aunque bueno, no es un film excesivamente romántico. Juega con lo agridulce, dejando que los esbozos de felicidad queden más bien en el ámbito de lo individual; en cristiano: a veces la única opción de ser feliz es hacer lo que te apetece, porque tus relaciones, ya sean sentimentales o amistosas, dejan bastante que desear, o no colman todas tus espectativas.

Los personajes de SORRY, THANKS viven en un estado de transición, y les acompañamos facilmente, casi de la mano. La hora y media de metraje se pasa volando, y lo contado no se borra por completo de la cabeza, sino que permanece ahí, en un rinconcito, sin molestar pero dejando una huella significativa (tres puntos, colega). Por todo esto, agenciarse el volumen 4 de los YOUNG AMERICAN FILMMAKERS me parece una buena inversión. Dentro de poco saldrá el volmen 5, y espero que se mantenga el buen nivel!

Hasta entonces, me entretendré viendo videos de entrevistas de esta gente.


Moments In Time: Dia Sokol from AIR Interviews on Vimeo.



Moments In Time: Wiley Wiggins Talks About Stuff from AIR Interviews on Vimeo.




lunes, 3 de octubre de 2011

YOUNG AMERICAN FILMMAKERS#4: THE PLEASURE OF BEING ROBBED


Cinebinario ha lanzado su nuevo pack dedicado a los jóvenes cineastas (norte)americanos. Como dije en otra ocasión, esta me parece una de las ofertas más interesantes actualmente del panorama cinematográfico; una nueva vía para todos aquellos que queremos explorar territorios nuevos, consumir cine actual e inédito en un formato de calidad, pagando por ello, en una edición detallista, y sin tener que depender de la (patética y nefasta) programación de la mayoría de cines de nuestro país (habrá quien viaje mucho a los States y vea cine alli, o frecuente festivales de cine independiente; yo no puedo permitírmelo, así que tiro de dvd).

En esta ocasión, tenemos para la doble ración a Joshua Safdie y Dia Sokol. He empezado por la de Joshua Safdie, titulada "THE PLEASURE OF BEING ROBBED" ("El placer de ser robado").

Soy una persona un pelín obsesionada con la idea de que me roben cuando voy por la calle. No voy a entrar aqui en análisis sobre esto, tan solo decir que gracias a esta peli he perdido un poco el miedo a que me roben. Primero porque me ha gustado mucho, mucho, mucho, y ahora os contaré por qué. Y segundo, porque la gente a la que roba la protagonista, interpretada por Eleonore Hendricks, es tonta. Parece que están pidiendo a gritos que les roben algo, porque no se puede ser más descuidado o confiado. Quizás necesitaban que alguien les robara algo. Y para eso está Eleonora. Yo soy bastante cuidadoso con mis cosas, y no las dejo por ahí en cualquier parte. Además, creo que no necesito que me roben (aunque a todos nos vendría bien apreciar un poquito más lo que tenemos). Sí necesitaba, eso sí, descubrir una peli verdaderamente independiente, underground, renovar mi capacidad de asombro y mi ilusión por un medio que anda bastante perdido entre mierdas comerciales, quejumbrosos subvenciodependientes e imposturas de modernas con ínfulas de (rellene usted) que son cualquier cosa menos alternativos.

THE PLEASURE OF BEING ROBBED me ha gustado mucho porque es una pelicula 100% underground. Rodada por actores no profesionales, y sin ningún tipo de permiso de rodaje (al menos en las calles), cámara al hombro y con la sencillez en general por bandera. Además de los aspectos técnicos, me resulta deliciosamente alternativa por la historia que cuenta y su filosofía.

En cuanto a la historia, hay que dejar muy claro que apenas hay trama. Y esto puede llegar a ponerme mucho... siempre y cuando la cosa se maneje con acierto. Y en este caso Joshua está sembrado. En el trailer, comparan el film con "Pickpocket" y "Al final de la escapada". Hay mucho Godard en esto (de Bresson también, supongo, porque no he visto nada de él; no me peguéis), y a mi también me huele a Warhol, o sea, quiero decir a Paul Morrissey. New York, Cassavetes, Larry Clark (si Larry Clark fuera neofolk, y no punk). Referencias sabrosonas y agridulces de cosas que me pirran. No necesito una gran historia para mantenerme enganchado 70 minutos (una duración acertadísima). Me vale con seguir las aventuras de Eleonora, esa mezcla de Pippi Langstrom, Ana Karina y Scarlett Johansson (¿debería añadir a Winona por lo clepto?), capaz de revelar el lirismo del choriceo sin necesidad de remarcarlo con marcador fluorescente (esta va por ti, Tao Lin).

La filosofía que me moja durante todo el metraje es la ligereza como opción vital. La posibilidad de jugar con las cosas de los demás sin que exista maldad alguna. Verlo todo como un juego, ya sea tomar prestado un coche, aprender a conducir en cinco minutos, o adoptar cuatro gatitos que acabas de arrebatarle a una niña pequeña. "The pleasure of being robbed" me dice que no hay que perder el tiempo con conceptos como "propiedad", "normas" o "prohibido". Y tiene toda la razón del mundo. Evidentemente, no es plan de lanzarse a las calles en plan ladronzuela (¿cómo pagar el piso y las facturas?), pero para eso está el cine: para experimentar sin daño alguno con todos esos conceptos que no podemos llevar a la práctica tal cual, por mucho que nos gustara.

Joshua Safdie me ha enternecido, me ha entretenido, me ha estimulado, sin artificios ni poses. Está lo suficientemente seguro de lo que hace como para usar un oso de atrezzo y que se vea que es falso. A esto solo llegan unos pocos. Y los que llegan, los guardo en mi corazoncito, forever.



2P2 The Pleasure of Being Robbed, de Joshua... por acrif




[ Cuando vea la otra peli del pack, "SORRY, THANKS", os cuento :) ]

lunes, 19 de septiembre de 2011

TAKE THIS WALTZ EN DONOSTIA ZINEMALDIA

Ayer se estrenó en el Festival de San Sebastián la segunda película de Sarah Polley, "Take this waltz". Sabía poco de la película, y en la ceremonia de inauguración del festival tan solo pusieron algunas fotos fijas.
Viendo un teaser, me congratulo en ver que mi adorado (aunque aparcado en la cuneta por lo poco interesante de su producción reciente) Seth Rogen es uno de los protas, junto a Michelle Williams, que interpreta al arquetipo del ama de casa que vive insatisfecha la vida suburbial en yankilandia.



La web del festival ha colgado la rueda de prensa que hubo tras la proyección de la película, y viéndola me pregunto: ¿toda esa gente son periodistas profesionales acreditados? ¿Se trata de una rueda de prensa en un festival de cine internacional de categoría A, o una proyección con debate en el salón de actos de la Facultad de CCII de la Complutense?

Podéis comprobarlo AQUI.

P.D: se salvan los dos que le formulan la pregunta en inglés, ambos con barba. ¿Casualidad?

lunes, 12 de septiembre de 2011

EL FANTASMA DE MEDIANOCHE DE LA LIBERTAD


Uffffffffffff me da mucha pereza, después de tanto debatir con unos y otros, aqui y allá, sobre "La piel que habito". Pero me lo quiero quitar de encima, así que ahí va:

Después de verla por segunda vez, he ratificado el punto de vista que tenía después del primer visionado. Es una película que no me puedo tomar en serio tal cual, pero eso no quiere decir que no me guste. Quiere decir que considero que la intención del autor no coincide con los resultados por completo, y por lo tanto no puedo procesarla tal cual.

"La piel que habito" no me emociona, pero me divierte. No me da ningún tipo de miedo, tensión o inquietud, pero sí me excita los sentidos, me hace reir; genera "cromos mentales" que puedo coleccionar y repasar una y otra vez.

Debo dejar a un lado mis consideraciones sobre el guión y sus, en mi opinión, fallos o debilidades en cuanto a la construcción de la narración. Bajo mi punto de vista, la historia está construida de tal forma que le falta fuelle, y desaprovecha un riquísimo material (incluyendo todo lo Tigrinho), centrándose en explicar una trama que ha complicado artificialmente (la novela de Jonquet daba para una estupenda adaptación, sencilla y eficaz) valiéndose de un gigantesco flashback tras el cual la tensión se desinfla y se resuelve en un par de escenas. Pero como digo, no voy a ahondar en estos aspectos. Hay profesionales como ROBERT MCKEE que ofrecen interesantísimos ensayos a propósito de cómo escribir un buen guión. El lado bueno de todo esto es que se me han despertado unas ganas tremendas de aprender este arte, el de la escritura eficaz de guiones y el trabajo de los personajes, la narrativa y el suspense.

Mi forma de ver la película es como un film de serie B deluxe. La primera cult movie verdadera de Pedro Almodóvar. Citaré algunos aspectos de la película (que comparten muchas otras películas de serie b) para que entendáis a qué me refiero:

Errores de caracterización (brasileños de nacimiento con acento del Barrio de Salamanca)
Situaciones resueltas apresuradamente o de forma poco lógica (viajes Toledo-Galicia en taxi pagados con tres billetes encontrados en un pantalón).
Interpretaciones sobreactuadas y risibles (la entrada en el armario de Normita).
Frases encantadoramente absurdas ("Y ahora voy a ponerte un poco de after-shave", "Bueno, ya sabes cómo es él", "No tonto, pone Clips para despistar").
Escenas incluidas de forma más o menos gratuita para dar espectáculo (violaciones, orgías adolescentes, rajamientos de cuello).
Uso de material de archivo (un coche incendiándose, un niño bajando unas escaleras en un barrio de favelas, insectos y abejas inquietas).
Números musicales (Buika).
Papeles vergonzosamente mal interpretados por actores no profesionales (la novia y su amiga invitada en la boda, Buika).
Y por encima de todo, la INVOLUNTARIEDAD.

Este último elemento es clave: algunos críticos (nacionales e internacionales) han "acusado" a la peli de causar risas involuntarias entre el público. Para mi esto no es algo negativo, aunque afecta a la forma en que uno puede procesar el relato. Yo también he disfrutado de esas risas involuntarias, dos veces, y creo que poca gente podrá evitarlas. Rescato y atesoro todo lo involuntario de "La piel que habito" porque subraya mi teoría: para que un film sea verdaderamente catalogado como "kitsch" (elige la variante del concepto que prefieras: camp, de culto, trash, zeta...), es imprescindible que exista una involuntariedad en el proceso.

Ed Wood hacía sus películas completamente en serio, pero le salían mal. John Waters hace todo lo que hace de forma plemanente consciente, utiliza lo zafio y lo cutre a propósito, y obtiene exactamente lo que pretendía. Ambos cineastas son gigantes para mí, pero les diferencia ese elemento fundamental: lo involuntario.

La universalización de lo cutre, la cultura basura, y la absorción de lo underground por parte del mainstream (incluyendo todo tipo de ironías y alzamientos de ceja), hacen que hoy en día sea muy dificil, casi imposible, encontrar una obra equiparable a "Plan 9 del espacio exterior", "The creeping terror", "Ator el poderoso" o "Showgirls". Hay multitud de películas que se recrean en estos códigos de cutrez, y dan como resultado films divertidísimos, de culto en muchos casos también, pero que carecen de la autenticidad de esas otras películas que son malas sin proponérselo. Ejemplos de esta "cutrez deliberada" son "Kárate a muerte en Torremolinos", "Planeta Atlón", "Pervert!", "Jesucristo cazavampiros" y tantas y tantas más que nutren las estanterías de los "frikis" (un término que ya no tiene nada de subversivo).

"La piel que habito" representa una novedad no ya dentro del cine de Almodovar sino del cine mundial: una película de un director de cine serio y consagrado, el director español (y europeo) más importante de la actualidad, y un nombre inscrito ya en la historia de la cultura universal, resulta ser una obra involuntariamente cutre. Una película de serie b, que puede verse y disfrutarse casi de igual forma a como disfrutaríamos de "Bride of the Monster", pero, y ahí está la gracia, con una realización impecable y preciosista.

Ed Wood y similares carecían de recursos (de todo tipo) para hacer sus películas. Otros, como Paul Verhoeven en "Showgirls", contaron con un presupuesto generoso y una carísima promoción, pero aún así no pudo evitar caer (y por ello doy las gracias) en lo Hortera (con mayúsculas de neón). "La piel que habito" tiene amplios recursos y un estreno internacional (con una buena recaudación por el momento), pero no es ni zafia ni hortera. Es preciosa: la música, la fotografía, las interpretaciones (al menos de Banderas y Anaya), los decorados, las localizaciones... todo es estéticamente perfecto. Y a pesar de esto, sigue siendo víctima de lo involuntario, abriéndose una puerta a la libertad del espectador.

Esa libertad es la de interpretar y digerir la película como le salga del coño o de los cojones. Que para eso ha invertido tiempo y dinero (o por lo menos tiempo) en ella. Me repatea la gente que recrimina a quien ríe en un drama (curiosamente, nadie recrimina a quien llora en una comedia). Este tipo de películas de las que hablo, las "series b" (o como quieras llamarlas), este cine involuntario, nos permite ejercer nuestro papel de espectadores de forma más dinámica y enriquecedora. "La piel que habito", ahora puedo decirlo, me ha dado esta oportunidad... aunque no lo quiera. Y yo lo agradezco.

Resumiendo, para mí es una rara avis que tiene un gran valor, y quizá algún día se escriba o diserte sobre ella bajo este prisma que ofrezco: un caso casi único de cine involuntario de alto presupuesto y factura impecable, bajo la mano y batuta de uno de los cineastas más prestigiosos del mundo. Mientras sale en dvd, momento en el cual pasará a formar parte de ese circuito de películas que me pongo en Halloween o cuando me apetece pasarlo bien riéndome y comiendo pizza, no estaría de mas revisitar otros títulos, por ejemplo de Ed Woood, que lo he nombrado ya al menos tres veces (¿se me aparecerá frente al espejo?). Os dejo con "JAIL BAIT", una peli con cirujano, venganza y reconstrucción facial. Disfrutadla!!



P.D: joder, para darme pereza escribir me he enrollado UN HUEVO.

jueves, 8 de septiembre de 2011

GEORGE KUCHAR

Ha muerto George Kuchar. Sobre el papel, era un cineasta que me sonaba. Los hermanos Kuchar, George y Mike. Pero me quedé en los libros y artículos sobre cine underground en los 60 y 70.
Hoy veré al Papa, John Waters, en su show This filthy world. Y resulta que me encuentro con que George, amigo y referencia clave para Waters, la ha diñado.
Esto me lleva a rebuscar un poquito... y encuentro que George se centró en los cortometrajes... ¡cientos de ellos! Bueno, como 200 o así. Y todos interesantísimos, libérrimos, rebeldes, hiperkitsch y fascinadores. Aunque he llegado tarde, me voy a poner las pilas con él. Aunque en el arte nunca se llega tarde: no se puede llegar tarde a algo que es eterno. Y como no creo que hubiera podido coincidir con él en persona, pues eso, a disfrutar de un cine fresquísimo y vanguardista, de ese que lamentablemente no se encuentra en las salas de cine, pero sí en YouTube:



















viernes, 2 de septiembre de 2011

LA PIEL QUE HABITO


Escribo este post a modo de primeras impresiones, aún sabiendo que tendré que escribir otro más detallado para explicar todo lo que he sentido tras ver la nueva de Almodóvar. En primer lugar, me queda claro que es una película a la que hay que llegar sin una desatada anticipación y con la menor información posible. Doble error: llevaba más de un año mordiéndome las uñas, y llegué con "Tarántula" leída y decenas de blogs, artículos, entrevistas, etc... casi aprendidos de memoria. Pero bueno, lo que hay es lo que hay, y espero aprender a tomarme esto de mis obsesiones con más calma jajaja!
Venga, vamos a lo que vamos: "La piel que habito" me ha dejado en un estado de lo más inusitado para mí. Nunca había reaccionado así después de ver una peli de Pedro. Mi primera reacción al terminar la película fue de total perplejidad: no podía entender cómo y por qué su autor había manejado un material tan rico y jugoso de una forma que por momentos podría calificar de "torpe". Torpe porque, pudiendo dar a la historia un toque redondo, profundo y satisfactorio, me parecía que se deshinchaba como un pastel que no acaba de subir.
Me sentía mosqueado, confuso, ya que me habían gustado bastantes cosas, pero no entendía por qué Pedro había dado por bueno (o al menos, definitivo) un guión que para mí hace aguas en varios puntos. Estuve más de una hora debatiendo con mi acompañante, al cual en primera instancia le había encantado la película, pero que entrando a analizar la jugada, compartía conmigo algunas reticencias con el guión. Otro gran error, el de analizar apresuradamente. No porque se llegue a conclusiones precipitadas, sino porque un entusiasmo inmediato vale más que cualquier disección.

Todo esto, como digo, lo desarrollaré dentro de un tiempo en otro post, porque la peli sigue en perpetua "transgénesis" en mi cabeza. De momento, os cuento las cosas que sí me han convencido sin paliativos:
En primer lugar, la apuesta de Pedro con algo así. Banderas dice que es su film más Almodovariano. Yo creo que es un film que prescinde de calificativos, lo cual es absolutamente liberador. Siendo una obra personal, se olvida de todos (o casi todos) esos ramalazos que a los fans nos chiflan pero que si desaparecen dejan paso a una experiencia mucho más refrescante.
En segundo lugar, la estética. No ya solo la dirección artística, sino todo: la fotografía, la composición de los planos... Es una película muy "bonita", en el mejor sentido de la palabra. Y esto me parece muy importante (por razones que trataré en mi otro post).
Momentos que me chiflan: el fogonazo Tinto Brass en los jardines del banquete, la escena de Agustín (y todas las escenas de boutique), todos los momentos "explícitos", que me parecen muy pulp, y la cita (indirecta) a Buck Angel. Esto es lo que se me ocurre ahora, aunque seguro que hay más momentos que me chiflan.
El arte en la historia: Louise Bourgeois, Cormac McCarthy, Alice Munro... Me quedo con ganas de más, de oir a Vera hablar de esas pasiones que la salvan en su encierro.
Y por último, las interpretaciones. Todos los actores están estupendos, aunque hay que destacar por supuesto a Elena Anaya, que está inconmensurable, preciosa, matizada, ella es Vera y se nos ofrece con toda la carnalidad e incoporeidad que el personaje necesita.

Hasta aquí esta pequeña lista de cosas que me han molado. Aparte de estas cosas, he de decir que mientras veía la película lo pasé bien. Eso sí, como dije, hay ciertos aspectos que no me convencieron. Y me refiero, más concretamente, al caracter, psicología y motivaciones de los protagonistas, y también a la tensión narrativa, sobre todo en la última parte de la historia. Son aspectos en los que quiero profundizar, y lo haré, pero primero necesito volver a ver la película para poner a prueba la forma en la que, ahora mismo, entiendo y proceso la película.

Como el doctor Ledgard, tengo un experimento por hacer. Os contaré los resultados.

martes, 30 de agosto de 2011

TRAILERS BOOMERY

Como a todo cinéfago, de vez en cuando me lo paso pipa con un buen festín de trailers grindhouse, drive-in, trash, exploitation o como quiera llamárseles: cine carnaza para paladares exquisitos. Eso que en la intimidad llamo "boomery" por motivos algo enrevesados de explicar ahora...
Os dejo con algunas delicias:

CHICAS CANÍBALES: dirigida por Ivan Reitman unos añitos antes de "Cazafantasmas". Con el punto de esa campanilla que te avisa para taparte los ojos si hay guarradas o susto.


RUBY: Piper Laurie practica el autoexploitation mientras su hija en la ficción practica el yoga satánico y de paso le da ideas a Madonna para su Re-invention tour.



NO MIRES EN EL SÓTANO: Es solo una película, solo una película, solo una película, solo una película, solo una película, solo una película, solo una película...


LOS SÁDICOS DE SATÁN: un apocalipsis de primeros planos que revelan un supuesto shock que no sé si se compone de escenas de contenido adulto o la desazón que proboca ver las condiciones sociales y sanitarias de lo que se denomina "una rebelión de basura humana".


CHICAS EN ALQUILER: no, no es el CHICAS DE ALQUILER del magnífico Ignacio F. Iquino. Es una americanada que utiliza el reclamo comercial de la estrella de EL DIABLO EN MISS JONES, Georgina Spelvin. Da la sensación de que les pican las tetas porque tienen sudor o suciedad. A mi personalmente no me gusta nada vivir rodeado de tierra y polvo, y ellas lo sufren y encima sospecho que no por voluntad propia. Por eso usan pistolas y pañuelos en la cabeza con la misma naturalidad.




lunes, 29 de agosto de 2011

ESTRENOS QUE ESPERO CON ANSIEDAD

Ahora que por fin ha llegado el estreno de LA PIEL QUE HABITO (la veré este próximo jueves 1), me queda esperar por estas otras películas de posiblemente mis autores favoritos de la cinematografía actual: DARK HORSE de Todd Solondz, THE FUTURE de Miranda July y MELANCHOLIA de Lars von Trier, que creo que será la de estreno más cercano (allá por noviembre).

Ver videos de entrevistas suyas siempre es un placer.





Todd Solondz: Character Development from oncentro on Vimeo.


martes, 16 de agosto de 2011

KHOONI MURDAA (PESADILLA EN KORMA STREET)


Ya sabía de las delicias de los plagios asiáticos de los grandes éxitos de Hollywood: el Star Wars turko, los films de bollywood con spiderman y superman... Pero no conocía esta alucinante versión de una de las mayores sagas de terror de la historia: PESADILLA EN ELM STREET.
La cosa se llama KHOONI MURDAA, pero yo la he rebautizado PESADILLA EN KORMA STREET, en homenaje a mi sabor favorito del restaurante indio (dulce, como coco). Se estrenó en 1989, así que tuvieron tiempo de plagiar y remezclar un montón de escenas míticas de las 4 primeras pelis de Freddy Krueger. Al Freddy indio, que está igual de requemado pero con la piñata desplazada y un traje chaqueta en sustitución al jersey de rayas, le salen las cuchillas de las uñas. En plan muñeca Rosaura, levanta la manita y ffffffffffffffiu, salen los cuchillos. Más práctico, así puede comer y hacer otras cosas cuando no mata ni atraviesa decorados.
El descubrimiento ha sido gracias a la gente que lleva la colección Asian Trash Cinema, una colección buenísima con ediciones hipercompletas en las que suelen meter pelis "redux", o sea, las remontan dejándolas en 45 minutos o menos, y lo meten como regalito en los extras. Qué añoranzas de los tiempos en los que hacía vhs's de 3 horas con peliculas reducidas a media hora con los mejores momentos, todo en directo mientras veía la peli en cuestión en la tele. Así grabé y conservo "Humanoides del abismo", saltando de primeros planos de suspense a terribles explosiones o ataques de monstruos a muchachas con las tetas al aire, todo sin solución de continuidad. Lástima que la retórica del cine sea tan fascista a veces, y al público le hayan educado para esperar una serie de cosas, como una resolución lógica o una progresión de los personajes. Aunque si en "Neds", ganadora de la Concha de Oro del último Festival de San Sebastián (a ver qué hacen este año, de momento no suena ningún nombre interesante), Peter Mullan se permite el lujazo de que el chico protagonista pase de chico bueno, responsable y estudioso que evita las trifulcas a pandillero desatado con cuchillo jamonero en el cinto de una secuencia a otra y sin que se moleste en ofrecer el más mínimo giro argumental que explique esta transformación en las motivaciones del protagonista, lo mismo yo puedo hacer una peli que vaya a la chicha y pase de la trama sin que nadie me lo eche en cara!

Os dejo el principio de PESADILLA EN KORMA STREET, el resto está en youtube.



viernes, 5 de agosto de 2011

¿POR QUÉ LE DA EL ATAQUE DE LOCURA AL SEÑOR R.?


Como cuento en este post de mi otro blog, estoy en un momento muy de retomar cosas. Hoy me ha dado por Fassbinder. Me he bajado TODOS NOS LLAMAMOS ALI (ya pagué en su momento mi entrada para verla en un ciclo del Bellas Artes, y me niego a comprar un dvd cuyos extras son "seleccion de escenas"), y ahora estoy con una que vi en el Bellas Artes hace años y que es una gran desconocida: ¿POR QUÉ LE DA EL ATAQUE DE LOCURA AL SEÑOR R.?

Recuerdo el visionado como una experiencia delirante, y por lo tanto deliciosa. Es un film muy distinto al resto de pelis de Fassbinder, y me recuerda mucho a la trilogía de Paul Morrissey. Es como Warhol aplicado a la denuncia de la vida burguesa. Y con unos colores. ¡Unos vestidos! ¡Unos papeles de pared! ¡Y UNOS PEINADOS! Que enamoran.

Os recomiendo fervientemente que la busquéis. Aquí os dejo algunos videos para que cateis el percal.






martes, 2 de agosto de 2011

EL PAPA VIENE A MADRID

Ahora que por fin tengo mi entradita en la mano, puedo afirmar que tendré la suerte de ver al Papa de cerca en su próxima visita a Madrid. Hablo de John Waters, obviamente, no de esa rata del averno vestida de blanco. THIS FILTHY WORLD será el show que dará el Papa en el Teatro Lara, dentro del FESTIVAL RIZOMA.
El legado y el valor presente y futuro de un creador como John es inconmensurable e inabarcable en palabras. Pongo algunos videos para regocijarnos.






(este video lo adoro especialmente, porque ODIO "Annie", ODIO a la gente que no rebobina las cintas del videoclub, y AMO la gente que utiliza a sus mascotas para obtener placer sexual - no genital, claro está-)




(de cuando tenía gracia, era encantador y no una pervertida versión machista del travestismo)










miércoles, 13 de julio de 2011

TED V. MIKELS

En una labor didáctica, os presento por si no lo conoceis a un guerrillero del cine zeta que no es muy conocido: TED V. MIKELS. El señor Mikels es uno de esos cineastas que tiene decenas de películas en su haber, rodadas con cuatro chavos y con profusión de buenas gachonas, tiros, acción y criaturas delirantes. Su superhit es 10 VIOLENT WOMEN, que espero poder descargarme en algún sitio (ya que estas delicias no suelen estar editadas en dvd) y paladearla a fondo:



Investigando sobre Mikels he descubierto también un programilla de hace ya un tiempo, en el que analizan la obra de grandes creadores como John Waters (que viene a Madrid el 8 de septiembre con su show THIS FILTHY WORLD y tendrá un miniciclo en la Filmoteca, yujuuuuuuuu!), Russ Meyer, Ed Wood, Sam Raimi o Stuart Gordon. El programa se llama INCREDIBLY STRANGE FILM SHOW, y lo teneis todito en youtube. Os dejo la primera parte del dedicado a mister Mikels.

jueves, 30 de junio de 2011

ENTREVISTA CON ROBERTO PEREZ TOLEDO




He tenido el placer de entrevistar a Roberto Pérez Toledo, cineasta lanzaroteño cosecha del 78. Roberto ha mostrado una gran proliferación en el campo del cortometraje, tanto como creador como crítico en su blog sobre cortometrajes en la web de Fotogramas.
Ahora, se encuentra a la espera de estrenar su debut en el largometraje, SEIS PUNTOS SOBRE EMMA, cuyo trailer ya comparti con vosotros hace unas cuantas entradas, y que ha tenido una acogida estupenda en internet. El film lo protagoniza una Verónica Echegui en un registro inusitado que ahonda en el tono intimista que ya pudimos ver en su último estreno, "La mitad de Óscar".


¿Cuándo y cómo empezase en el mundo del corto?

Empecé de adolescente, con mi primera cámara y haciendo experimentos sin actores ni guión. Nací y crecí en Lanzarote, donde sonaba muy extraterrestre eso de querer hacer un corto en plena época de los noventa. Mi primer corto más o menos "en serio", es decir, con un guión escrito y actores, lo hice ya en Salamanca, mientras estudiaba la carrera de Comunicación Audiovisual.


¿Cuáles eran tus películas favoritas de pequeño? Es decir, tus primeros pasos como cinéfilo.

El primer impacto cinematográfico que recuerdo fue sin duda "E.T. el extraterrestre", y Steven Spielberg es el primer director cuyo nombre aprendí y me hizo preguntarme por qué existen los directores. Ese día terrible y fascinante en el que descubres que las películas no se hacen solas... Luego tuve la suerte de crecer como rata de vídeo-club, pues mi tío regentaba uno, y ahí veía hasta tres o cuatro películas al día, con lo que me fue fácil estar muy al tanto de todo lo que se estrenaba. Imagínate: todo el cine de los ochenta, lo que dirigía Spielberg y también lo que producía, más John Hughes, etc.


Escribes un blog en Fotogramas sobre el mundo del corto, "La vida es corta". ¿Cómo surgió esta colaboración?

En Fotogramas conocían mi blog personal, al que antes le dedicaba mucho más tiempo que ahora. Ellos estaban arrancando una serie de blogs y me plantearon hacer el de cortos, con total libertad de contenidos. Me gustó mucho la idea y durante este tiempo he intentado convertirlo en un lugar en el que los cortos de compañeros encuentren un rincón constructivo en el que promocionarse.


¿Sigues algún blog sobre cine? Recomiéndanos alguna web sobre cine español que no tenga mucha difusión, si la conoces.

Hace poco ha arrancado uno que apunta buenas maneras, "Nuestra ficción" (http://nuestraficcion.blogspot.com). Y luego soy lector habitual de "La katarsis del cine español" y de "El blog del cine español", cuyos autores son muy cracks a la hora de darle eco a nuestro cine.


¿Qué crees que caracteriza al mundo del cortometraje en España frente a Europa o Estados Unidos?

No conozco tanto como querría el panorama del corto internacional, ya que normalmente los trabajos que nos llegan son los que más destacan gracias a un premio gordo o una nominación al Oscar, y éstos suelen ser obras de envergadura, muy bien producidas. Pero no sé lo que se hace en Londres o Alabama a nivel guerrilla y demás. En cualquier caso, creo que las diferencias técnicas entre España y el resto del mundo serán cada vez menores, porque hoy el acceso a una cámara de calidad decente es muy fácil en todo el mundo. Y sí tengo la sensación de que, fuera de España, tanto los creadores como los festivales le tienen menos fobia a los cortos "largos", es decir, a las historias más complejas que puedan superar los veinte minutos de duración, algo que en nuestro país está casi prohibido si quieres que el corto tenga su vida festivalera.


¿Hay algún director de cortos que hayas descubierto recientemente y te haya sorprendido?

Siempre hay gente nueva a la que descubrir. En ese sentido, el más perfecto escaparate para mí es el Notodofilmfest. En su jungla de trabajos cada año, hay mucho talento nuevo y de su cantera ha salido gente que está haciendo y va a hacer cosas importantes en el futuro, como Jim-Box, Edgar Lledó, Pablo Vara... Últimamente, sí me he puesto más al día con las obras de una directora que me encanta, Manuela Moreno. Y entre los más jovencísimos que vienen pegando fuerte, recomiendo seguir la pista al canario Diego Betancor.


Has dado el esperado salto al largo con "Seis puntos sobre Emma". ¿Cuál fue la idea que te inspiró para escribir el guión, y cómo llegaste a la financiación y producción de la película?

Siempre me planteé el largo como una continuación de lo que venía experimentando en los cortos, pero yendo más allá en ambición y complejidad al tener la oportunidad de desarrollar una historia durante hora y media. El tema central es uno de mis habituales, la ceguera sentimental, los palos de ciego que damos hasta encontrar lo que de verdad nos hace felices, y este tema me llevó a un planteamiento literal, con una protagonista que es ciega y se enfrenta a la búsqueda del amor construyendo la casa desde el tejado... Todo esto contado en tono de drama romántico-sentimental con toques de comedia.
En la producción he estado arropado por el buen hacer de la productora canaria La Mirada, con Ana Sánchez-Gijón como productora ejecutiva que creyó y luchó por el proyecto desde el minuto uno. Ha sido un camino largo y arduo, de varios años, con lo que cuesta hoy en día poner en pie la financiación de una película, aunque sea de una pequeñita como "Seis puntos sobre Emma".


¿Has notado diferencias con respecto al trabajo con los actores entre tus cortos y "Seis puntos sobre Emma"?

He notado que poco a poco voy aprendiendo más y mejor a conocer a los actores y a intentar darles lo que necesitan, gracias también a los monstruos tremendos con los que he tenido la suerte de ir trabajando en los cortos y ahora en este primer largo. El trabajo en la peli ha sido más largo, más complejo y más intenso que en un corto, por razones lógicas, ya que tratamos con personajes de más largo recorrido, pero los actores siempre me demuestran que se toman con la misma seriedad y profesionalidad un personaje en un corto como en un largo. Tengo la suerte de currar con gente muy talentosa y muy generosa.


A tenor de tus cortos, y bajo mi punto de vista, creo que uno de tus puntos fuertes son los diálogos. Tus películas son piezas centradas en el trabajo actoral, con un mimo por lo visual pero centrando la composición en los personajes, que suelen ser pocos, y abundan las "escenas de a dos". Teniendo en cuenta esto, y si consideras válido este análisis, ¿qué te impulsa a expresarte a través de lo audiovisual, en vez de desarrollar tu discurso en otros medios que se adaptan a este estilo, como el cuento o el teatro?


Creo que dentro de la sencillez de la que suelo hacer gala, con una planificación siempre al servicio del actor, me apasiona demasiado el lenguaje audiovisual y sus múltiples variables, empezando por la propia posibilidad de centrar la atención del espectador en el rostro del actor. Por no hablar del juego que te brinda la fotografía, el montaje, la música... Igualmente, te digo que me encanta escribir relatos y que me gustaría probar con el teatro en un futuro cercano.


Por último, cuéntanos, cuándo tendremos "Seis puntos sobre Emma" en los cines, qué te gustaría decirle al espectador que tiene curiosidad por ver tu película, y qué horizontes se perfilan para ti en el mundo del cine.


¡Este otoño! Aún estamos definiendo una fecha para que no nos coma la marabunta que inundará la cartelera tras el verano. Hace unas semanas lanzamos el tráiler y la acogida del público ha sido bestial, así que esperamos ir dando a conocer la película poco a poco a más gente, intentando conquistarles con la honesta sencillez y el encanto que creemos que tiene "Seis puntos sobre Emma". En cuanto a los horizontes futuros, no tengo ni idea. Esto es complicado, y más en los tiempos que corren, pero simplemente espero poder continuar con la carrera de fondo, alternando historias cortas y largas. Una de mis ventajas, creo, es que lo que me gusta escribir y rodar es baratito de producir.

Eso es todo. Muchas gracias por atender mis preguntas, y por dedicarte con tanto cariño y constancia al cine español. ¡Un abrazo, Roberto!

lunes, 20 de junio de 2011

YOUNG AMERICAN FILMMAKERS vol. 3: ZELLNER & HARTIGAN


CINE BINARIO y CAMEO llevan desde unos meses acercándonos a ese fenómeno del cine indie que es el "mumblecore". Ya que el mercado y la exhibición cinematográfica están como están, han tirado por una magnífica vía que es el lanzamiento directo al mercado doméstico. La colección YOUNG AMERICAN FILMMAKERS recoge trabajos de una generación de jóvenes cineastas norteamericanos que, explotando al máximo los recursos del cine digital, están logrando crear una escena bastante interesante que ya cuenta con el reconocimiento de grandes festivales como Sundance. Aqui en Spain, como casi siempre, vamos con un pelín de retraso, así que gracias a YOUNG AMERICAN FILMMAKERS podemos ponernos un poquito al día, y de paso revitalizar nuestas ansias de alternativa, que llevamos ya unos años anquilosados conformándonos con los trabajos de unos directores más que consagrados y ya hay ganas de descubrir cosas nuevas, o al menos yo las tengo. Toda esta generación de creadores me recuerda a gente que me mola de otros campos, como Adrian Tomine en el comic independiente USA, o todos esos grupos de neo-folk que chiflan tanto en los festivales. Así que, habiéndome perdido las dos primeras entregas, me he lanzado como un jabato a explorar lo que tenían que ofrecerme.

El resultado ha sido muy satisfactorio. En primer lugar, por la edición en sí: dos películas, cada una en un dvd con cortometrajes y filmografía de los autores de la peli en cuestión, acompañado de un folletito muy gracioso con entrevistas y "fun facts", que siempre queda muy cuco eso de abrir el dvd y encontrarte con algo impreso en papel. Si a todo esto le sumamos que los menús están cuidados, y el precio no es nada desorbitado (18,95 €), creo que resulta un producto la mar de asequible. Vamos, el típico dvd que si eres cinéfilo y curioso no puedes dejar de comprar para ver qué tal.

Ahora, vamos a las pelis en sí: empecé con GOLIATH, de los hermanos Zellner. Iré al grano: esta película me ha ENAMORADO. Tal cual. Ya con los cortometrajes que incluía el dvd quedé gratamente sorprendido con estos hermanos que escriben, producen, dirigen e interpretan en muchos casos sus propios films, texanos de Austin y con un puntazo que hace que recupere el gusto por el rollo "brother" (perdido hace mucho con los Farelli o los Coen, por mi parte). Pero fue empezar a ver GOLIATH, la historia de un hombre que lo pierde todo, sobre todo su gato, y lucha por no venirse abajo en un mundo cruel, absurdo y tragicómico, y me quedé enganchadito. Quiero más!! David y Nathan Zellner me parecen unos genios absolutos, ajenos por su libertad a cualquier etiqueta (indie, mumblecore, etc.). Puras ganas de hacer cine y hacerlo de una forma particularísima, con amor y soltura, sin poses ni efectismos.




La otra peli, LUKE AND BRIE ARE ON A FIRST DATE, tardó más en engancharme, pero acabó haciéndolo, y de una forma muy distinta. Si GOLIATH me atrapó como artefacto artístico, LUKE AND BRIE... ha acabado haciéndolo a un nivel más personal. Cinematográficamente, se trata de un ejemplo mucho más claro de mumblecore: un par de localizaciones, pocos personajes y toneladas de diálogos que no se me hicieron nada pesados. El conjunto resulta natural, directo, ligero, con las dosis justas de tensión y matices emocionales. Y mira que es dificil matizar, mantener la tensión y llevar de la mano al espectador durante más de una hora, mientras asiste a una cita entre un chico y una chica, sin que haya más trama. Pero lo consigue. LUKE AND BRIE ha resultado para mí una de esas películas que define a la perfección un momento vital: el tramo después de los veinticinco años; ese gran "y ahora qué" en cuyos efectos aún floto. La peli tiene momentos en los que es facil identificarse; algúnas anécdotas dificiles de olvidar; frases de esas que puedes anotar y repetir. En definitiva, su trabajo es seducir con las palabras, y si estás dispuesto a dejarte, cumple su objetivo. Chapó para la pareja protagonista, compuesta por un actor amigo del director, CHAD HARTIGAN, y una vecina que acabó sumándose al proyecto a última hora. Los dos se me antojan una versión veinteañera y actualizada de Catherine Keener y Philip Seymour Hoffman (tranquilo Philip, me sigues gustando más tú, con tus kilitos de más). Me gustaría verles en otras películas, sobre todo a ella, aunque no sea actriz profesional: su expresión en la última escena, cuando está sola en el coche, es... buff!



En fin, creo que queda claro que recomiendo firmemente este dvd. No solo porque haya que apoyar este tipo de iniciativas para que el cine alternativo (¡ojalá hubiera algo parecido con cineastas patrios!) tenga una digna salida comercial, sino porque son dos pelis de puta madre que pueden daros muy buenos ratos.

jueves, 16 de junio de 2011

DEMASIADO VIEJO PARA MORIR JOVEN




Ayer me sorprendieron regalándome el dvd del debut cinematográfico de ISABEL COIXET, que no tenía ni idea de que estaba comercializado, la verdad. Isabel es una de mis cineastas preferidas, aunque sigo sin ver A LOS QUE AMAN (no me llama mucho lo de época), y son un acérrimo defensor de la denostada MAPA DE LOS SONIDOS DE TOKIO.
DEMASIADO VIEJO PARA MORIR JOVEN me gustó bastante. Al comenzar, pensé que sería una curiosidad más, sin mucho valor en sí como film. Pero a medida que avanzaba el metraje y se sucedían las escenas con un punto pelín delirante, los diálogos certeros y caprichosos, las coloridas escenas, los arrebatos dramáticos over the top, y esa música africana que no viene a cuento, me fui enamorando poquito a poco.

[Como no hay manera de encontrar ningún video que ilustre remotamente la peli, pongo este con african music chuli:]


Una vez vista, y teniendo en cuenta los gustos y la trayectoria posterior de la Coixet, las aventuras de EQUIS y EVAX (bravo por esos nombres, premonitorio en el caso del personaje de Emma Suarez: "tsun-tsun, tsun-sun-susun, ¿a qué huelen las nubes?) me recuerdan mucho a esas películas japonesas ochenteras de romances juveniles, con un sentido de la narrativa que, como todo lo japonés, se nos queda lejos por lo libre y avanzado que puede resultar. Ahora mismo no caigo en el título, pero pienso en un film que vi en un ciclo de cine oriental que vi hace años en el Círculo de Bellas Artes: una peli de dos jovencitos enamorados en Tokio, en la que jugaba algún papel un paraguas mágico que hacía volar (¿o estoy yo flipando?) y abundaban los colores chillones, las hombreras y el plástico. DEMASIADO VIEJO... también puede verse como la adaptación de un manga que su autora pudo crear mentalmente. Quizás no sea algo deliverado, pero ahí queda el feeling...


El principal valor que veo en esta opera prima es que no me recuerda a ninguna otra película (ni siquiera a las que ella haría después), ni a ningún otro cineasta. Isabel se arriesgó, contando algo que le molaba, a su estilo, sin pretender emular a ninguna gloria (como por ejemplo bajo mi punto de vista hizo Tod Solondz con su negadísima pero adorable "Fear, anxiety and depresion", que yo veo como un Woody Allen wannabe). Os animo a verla, ¡sorprende!

lunes, 13 de junio de 2011

CAZAFANTASMAS


He recuperado "CAZAFANTASMAS", la primera película que recuerdo haber visto en cine (fue en el extinto CINE GARDEN de Moratalaz, aunque por las mismas fechas debió andar mi visionado de "Supergirl" en la misma sala). Es una gozada ver de nuevo películas así, hechas para reventar taquillas pero con un estilo y una autenticidad imborrables de cualquier corazoncito. Cine hecho para perdurar. ¡Y sin efectos digitales!
Me he dado cuenta también de que las aventuras de los tres científicos y Winston, el "me ha moqueado" y la entrada triunfal de Stay Puft, el hombre de los Mashmallows, no es lo único que ha perdurado (y perdurará) dentro de mi. He sido consciente de lo mucho que me pone Dan Aykroyd, y, lo que es más significativo, creo que me impresionó tanto a mis tiernos cinco años que determinó el tipo de hombre que con el tiempo acabaría atrayéndome sexoafectivamente en plan prototipo: buen chico, regordete, con barba (Dan no la lleva pero se nota que le sale con mucha fuerza y se afeita una o dos veces al día), algo torpón, ingenuo, empollón (o intelectual), con problemas capilares (esas entradas), en definitiva, el heroe achuchable, que no es ni el friki total, ni el guaperas, ni el sarcástico socarrón. ¿Es posible que el personaje del profesor Raymond Stantz me marcara hasta ese punto? No me extrañaría nada, a tenor de la escenita con la fantasma que le baja la bragueta dejando expuesto el bultaco de sus abanderado blanco nuclear.

"Ghostbusters" partió la pana en 1984 (USA), aunque la galleta se la llevó "Superdetective en Hollywood", que aunque se estrenó en diciembre de ese año, fue la más taquillera en yankilandia, y siguió su triunfal recorrido durante 1985 por todo el mundo. Ayer mismo puse en mi piso un elemento ornamental de "Superdetective en Hollywood": una foto promocional de esas que ponían en los halls de los cines. ¿Cómo se llamaban, afiches? Ahora, a ver si encuentro algo de Dan.

jueves, 9 de junio de 2011

TRAILER DE "SEIS PUNTOS SOBRE EMMA"

Ya tenemos el primer trailer del prometedor debut en el largometraje de Roberto Pérez Toledo, el cual nos ha dado cumplidas muestras de su talento con sus cortometrajes, reconocidos en diferentes festivales. Hasta fue objeto de un plagio por parte de una marca de coches, ¡con el caché que da eso!
Aqui os dejo el trailer, con una Verónica Echegui insólita, ahondando en esa apuesta por el riesgo artístico y el cine de autor que parece haber hecho ya con "La mitad de Óscar":

martes, 31 de mayo de 2011

SUSANA Y DIOS



Estoy viviendo una época muy Joan Crawford. La cosa empezó con "Strait jacket" y, gracias a William Castle, descubrí que la gran señora de la pantalla vivió un esplendor maduro en películas de terror-tensión alucinantísimas.
Ahora, con SUSANA Y DIOS (Susan and God) también he comprobado que Joan logró retratar un cierto tipo de señora que se da mucho hoy en día: la estrella trascendental.
SUSANA Y DIOS nos presenta a una díscola millonaria que se pasa la vida de viaje por el mundo, tirándose a todo lo que se le apetece (esto no se ve pero se supone) y pasando olímpicamente de su hija y de su marido, que es un borrachín.
Susan tiene una pandilla de amig@s que pasan el rato poniéndose los cuernos, dando fiestas, jugando al tenis y casándose. Muy jet y muy Hello! todo. Susan tiene mucho morro y, cuando vuelve de su último viaje por Europa, se instala en el cortijo de una colega, para evitar a su marido el beodo y a su hija, Blossom, que sufre en silencio los braquets, las gafas y el abandono de sus progenitores. Esta Blossom me parece terriblemente predecesora de la Blossom televisiva, lo cual me sulibella.
Toda la película desprende un maravilloso aroma de actualidad, modernidad, desparpajo y ganas de mostrar las cosas como son. Precisamente, esto de decir las cosas como son y no caer en la hipocresía burguesa, forma parte de la revelación que ha sufrido Susan en London. Y aqui viene el punto clave: en la película, Joan Crawford interpreta a una Madonna enganchadísima a la Kabbalah, antes de que la propia Madonna naciera (¿Buscando a SUSAN desesperadamente?). Tal es así, que podría sospecharse que el giro de la Ciccone a lo hebreo y su afecto por la familia Berg se debe a sucesivos visionados de esta gran película de George Cukor con guión de Anita Loos (¡qué combinación! Tengo que ponerme algún día con el libro que tengo de la Loos con bocetos para posibles guiones), basado en la obra teatral de Rachel Crothers (esta no sé quién es). Susan se adhiere a un novísimo credo promulgado por una tal Millicent Wigstaff (¿no os parece un nombre de profesora de Hogwards?), que aboga por una total sinceridad (más en los demás que en una misma, qué jodía...) más allá del pudor y las convenciones sociales, para alcanzar la conexión espiritual con el Creador. Claro está, a nadie le mola que le obliguen a decir la verdad, o lo que el otro cree que es la verdad. Al final, todo se resume en sacar los trapos sucios, con la excusa del "buen rollito". Basura cuché, deliciosa. Lo cual no quita el mérito de la propuesta, al menos en lo de pasar de lo que opinen los demás y tirar palante con lo que de verdad se siente y se desea. Ser auténtico es lo más parecido a estar en comunión con Dios que puedo imaginar.
Desde finales del siglo XX lo Susan se ha convertido en tendencia: que le pregunten a todas las adictas a la Kabbalah, la Cienciología, la new age, el coaching, Jorge Bucay y la psicología positiva. La diferencia, eso sí, está en que a Susan le cuesta horrores convencer a su esposo para que le conceda el divorcio y volar libre como un pajarillo. Al final accede a retomar una vida "familiar", y... el resultado os lo dejo para que disfrutéis de la película.


("SUSAN CRAWFORD VA A SITIOS, CONOCE A GENTE.. Y HACE COSAS " me parece de una claridad expositiva imbatible por parte de los publicistas de la Metro; ¡quiero usar esa frase!)

Epílogo a lo tv-movie:
Madonna acabó divorciándose y follando con jovencitos. Estos días andan diciendo que se la ha visto rondando una sede del Opus Dei.
La hija de Susan, que podría equipararse a Lourdes Ciccone León antes de que la dejaran depilarse el entrecejo, por fin acabó mojando.

sábado, 28 de mayo de 2011

SOLO QUIERO SER TU AMIGO



NICO AGUERRE, realizador de cortometrajes como EL ÚLTIMO BESO o RÓMPEME EL CORAZÓN EN MIL PEDAZOS Y ÉCHASELO A LOS PERROS, ha estrenado un nuevo cortometraje que me ha gustado mucho. "SOLO QUIERO SER TU AMIGO" expresa mucho con muy poco, y mantiene un estilo personal en todo momento.
Nico ha escrito una presentación en exclusiva para el blog, apuntando sus intenciones a la hora de realizar este nuevo trabajo, que demuestra que para hacer algo bueno no es necesario pedir una subvención o gastarte 6.000 euros. Os dejo con Nico y su obra:

Rodolfo busca vida extraterrestre sin alejar la mirada del suelo. Porque lo extraño está a la vuelta de la esquina. Las redes sociales nos ayudan a encontrar aliados. "Solo quiero ser tu amigo" aborda en pocos minutos la quimérica búsqueda de un tipo normal por hallar algo extraordinario. Bajo la apariencia de un relato de ciencia ficción se esconde esta historia mínima sobre la necesidad de interactuar. Realizado en una sola jornada, con 20 euros de presupuesto (destinados al alquiler del micro), este cortometraje reflexiona sobre la soledad y la comunicación 2.0.

martes, 24 de mayo de 2011

PINA








Querer que el cine sea solo un medio narrativo resulta una falacia. O al menos, un mal deseo. Supongo que algún día el cine evolucionará como lo hizo la novela, abriéndose a caminos expresivos más amplios. Cineastas como Carlos Saura con sus films musicales, o PINA, lo nuevo de Win Wenders, caminan por lo audiovisual sin fronteras mentales de ningún tipo. Y este tipo de films encuentra y mantiene sus espectadores: no siempre va a comer uno hamburguesa o filete con patatas, a veces apetece sushi o alguna receta nueva e inesperada, de esas que surgen mezclando ingredientes que no suelen ir juntos. Hoy en día, gracias al HD, se puede experimentar en los fogones audiovisuales sin que la cosa salga carísima. Y encima, jugar con los nuevos formatos, como es el 3D. ¿Para cuando un film musical con escenas de sexo real y ramalazos de videoarte y cine de género en Real 3D? ¡Aqui hay uno que pagaría su entrada gustoso!

lunes, 16 de mayo de 2011

MIDNIGHT IN PARIS



En su última película, Woody Allen pone en boca de uno de sus personajes (una suegra adinerada y convencional) una frase similar a esta: "Anoche fuimos a ver una película estupenda. Deberíais haber venido". Cuando le preguntan qué actores salían, responde algo así como: "No lo recuerdo. Era una de esas películas americanas que te hacen reir involuntariamente". Al acabar la proyección de "Midnight in Paris", yo deseaba haber tenido la suerte de que los últimos 100 minutos hubieran correspondido a una de esas películas americanas que te hacen reir y olvidas facilmente. Pero no: en realidad, habían sido 100 minutos de una película flojísima de un director que adoro pero que, en su empeño-necesidad de rodar sin solución de continuidad, tira de truños como este para salir del paso, en plan proletario del séptimo arte.
Un guión como el de "Midnight in Paris" no debería ocuparle a un escritor como Allen más de un fin de semana; o una tarde, si me apuras, y si el vino era bueno y no tenía ningún plan para esa noche. La trama es lineal, monocorde, previsible y sin ningún gancho. El arco motivacional del protagonista se esboza como un chascarrillo al principio de la película, y reaparece diez minutos antes de que acabe la película, como el marido que su mujer arrastra a la ópera y vuelve al palco justo a tiempo para los aplausos, y con unos cuantos gin-tonics de más cortesía del ambigú.
Las recreaciones de personajes históricos por lo general dan pena. Hemingway de por sí me cae mal, y el excesivo retrato que ofrece de él la película se me hizo muy cansino (esas frases interminables que entiendo que usa en plan "mira, habla como escribe, ¡qué chistoso!), hasta que con un burdo remate ("¿Nadie quiere pelea?") la cosa pasa del cansancio a la vergüenza ajena. Lo de Dalí solo tiene para mí un calificativo: patetico. Y el pintar a Buñuel como un garrulo agilipollado, él sabrá por qué lo hace. En resumen, un acartonado Museo de Cera, pero sin el puntazo kitsch que supone visitar un Museo de Cera (lo cual, por cierto, se ha convertido en algo asombrosamente prohibitivo: ¡16 eurazos la entrada!), porque en Allen no hay distanciamiento, sino deslumbramiento y fascinación. Parece sucumbir en el mismo síndrome de la Edad de Oro que denuncia, aunque esa denuncia parezca un poco producto de la mala fe de Camus.
El final me gustó, aunque se veía venir de sobra. No logra en cualquier caso quitarme el sabor a telefilm de sobremesa del conjunto. Y desde luego, no entiendo cómo parte de la crítica lo califica como "la nueva obra maestra de Woody Allen", equiparándola con grandes logros de su filmografía como "Misterioso asesinato en Manhattan" o "Balas sobre Broadway". "You will meet a tall dark stranger" me gustó mucho más, y eso que la pusieron a caldo. Al menos con esa me reí, los personajes tenían más de dos rasgos que definían su personaje, y había cierta tensión cuando la historia lo pedía.
En fin, me pondré un día de estos "Hannah y sus hermanas" y esperaré a ver qué tal le salen esos cuentos decamerianos que rodará este verano, como todos los veranos. Y no penséis que yo creo que cualquier tiempo pasado fue mejor. No, de eso nada. Me encanta el presente. Tanto como para agradecerle a Woody que no haya caído en la tentación de hacer un remake, propio o ajeno, y siga escribiendo y dirigiendo material nuevo. Aunque sea flojo. Si, me quedo con eso.